CIA DE DANÇA DEBORAH COLKER / SAGRAÇÃO : NUMA VISCERAL RELEITURA À LUZ DOS POVOS BRASILEIROS ORIGINÁRIOS
Review:Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
Wagner Correa Cel.: +55 (21) 99644-4139 wagner.correa@escriturascenicas.com.br
Portuguese
Fotos/ Flávio Colker
A mais recente obra da Companhia de Dança Deborah Colker completa a trilogia de conceitual antropológico/ritualístico inicializada por Cão Sem Plumas. Da terra que se auto-define pela aridez da lama no insólito trajeto do homem/caranguejo, inspirando-se na imagética poética cabralina para figurar o mangue nordestino. Seguida pela praga da moléstia que assedia, entre trevas, a condição humana e onde o sonho para vencer a peste depende da sua libertação pela Cura. Que, bem a propósito, titula uma coreografia atravessada pelas crenças de redenção nas entidades do Candomblé, com inserções bíblicas pela dramaturgia do rabino Nilton Bonder. E, agora, em 2024, na lembrança do ideário estético revolucionário da Sagração de Stravinsky com seu descortino em 1913 de uma nova era musical/coreográfica, no presságio de Nijinsky (“Ela abrirá horizontes novos, iluminados pelos raios do sol. Tudo será, então, diverso, novo e belo"). Esta outra Sagração, desta vez foi concebida, coreografada e dirigida por Deborah Colker, com plena brasilidade, ao remeter em sua releitura, a uma diferencial transmutação metafórica do primitivo cenário de aldeães russos em saga indigenista no entorno dos povos originários da terra brasileira. Distanciando-se assim de uma quase absoluta fidelidade narrativa e sinfônica das versões referenciais de Maurice Béjart, Kenneth MacMillan, John Neumeier, Angelin Preljocaj, Pina Bausch. Preferindo seguir, ainda que em parte, a trajetória aberta pela transgressiva concepção do britânico Akram Khan, de ascendência bangladeshiana, com o uso de outras inserções musicais. No caso da criação coreográfica de Deborah Colker, intermediando ou superpondo partes da partitura stravinskyana ao lado de autóctones acordes rítmicos indigenistas, com prevalência de sonoridades percussivas, tendo como base os arranjos autorais da trilha de Alexandre Elias. Partindo da cosmogonia evolucionista dos quatro elementos (água, fogo, ar e terra) integralizada num intencionalismo épico da representação coreográfica, cênica e musical de como teria sido o princípio do homem e do universo no olhar indígena. Onde a decifração do mistério de sua primitiva sacralidade é miscigenada com o Gênesis bíblico, por intermédio do roteiro concepcional da diretora e coreógrafa Deborah Colker, em sua dúplice parceria dramatúrgica com o escritor judaico/brasilianista Nilton Bonder. Trazendo à cena figuras dos relatos do Antigo Testamento como uma Eva distante do Eden, aqui personalizada numa ascendência negra/africana, ao lado de um Abraão descompromissado de sua fabular missão, além de intervenções vocais em off de Takumã Kuikuro explicando crendices místicas em seu linguajar indígena. Num surpreendente desfile de caracteres do mundo animal e herbívoro, indo das bactérias aos quadrúpedes e serpentes, numa tipicidade indumentária (Cláudia Kopke) tudo sob provocante ambiência imaginária a partir da artesanal direção de arte de Gringo Cardia. Completada na original envolvência do uso cenográfico de bambus/estacas como móbiles, capazes de um mágico sugestionamento, metamorfoseados em tabas, barcos, redes e lanças. E que se estende a uma plasticidade espacial na caixa cênica conectando terra e céu, ampliada nos efeitos luminares de Beto Bruel. Para expressar, via energizada e imersiva proposição performática e gestual para um afinado elenco de 15 bailarinos, o legado das tradições lendárias dos povos originários, fazendo de Sagração um tributo à passagem do trigésimo aniversário da Companhia de Dança Deborah Colker. Entre um senso de metafórica selvageria da corporeidade pulsante dos bailarinos e a mistificação cerimonial/ritualística da cena dançante sob o compasso da ancestralidade indigenista, sinalizados com o olhar atento de Deborah Colker. Sempre ancorado nos avanços do atual universo coreográfico, em inédita e brava busca inventiva de uma das mais celebradas companhias brasileiras da dança contemporânea. Wagner Corrêa de Araújo Sagração/Companhia de Dança Deborah Colker está em cartaz no Theatro Municipal/RJ, de quinta a segunda, em sessões vesperais e noturnas, até 25 de março.
Review:Wagner Corrêa de Araújo (Danse Critic)
English
photographer's credit - Flávio Colker
CIA DE DANÇA DEBORAH COLKER / SAGRAÇÃO: IN A VISCERAL REREADING IN THE LIGHT OF THE NATIVE BRAZILIAN PEOPLES
The most recent work of the Deborah Colker Dance Companycompletes the trilogy of anthropological/ritualistic concepts initiated by Cão Sem Plumas. From the land that defines itself by the aridity of the mud in the unusual path of the man/crab, inspired by the poetic imagery of Cabralto to depict the northeastern mangrove. Followed by the plague of disease that harasses, in darkness, the human condition and where the dream of defeating the plague depends on its liberation by the Cure. Which, by the way, titles a choreography crossed by the beliefs of redemption in the entities of Candomblé, with biblical insertions by the dramaturgy of Rabbi Nilton Bonder. And now, in 2024, in the memory of the revolutionary aesthetic ideals of Stravinsky's Consecration with its unveiling in 1913 of a new musical/choreographic era, in Nijinsky's omen ("It will open new horizons, illuminated by the rays of the sun. Everything will then be different, new, and beautiful"). This other Rite, this time was conceived, choreographed, and directed by Deborah Colker, with full Brazilianness, referring in its rereading to a differential metaphorical transmutation of the primitive scenario of Russian villagers in an indigenist saga in the surroundings of the original peoples of the Brazilian land. Thus, distancing himself from an almost absolute narrative and symphonic fidelity of the referential versions of Maurice Béjart, Kenneth MacMillan, John Neumeier, Angelin Preljocaj, Pina Bausch. Preferring to follow, albeit in part, the trajectory opened by the transgressive conception of the British Akram Khan, of Bangladeshi descent, with the use of other musical insertions. In the case of Deborah Colker's choreographic creation, intermediating or superimposing parts of the Stravinsky and score alongside autochthonous indigenist rhythmic chords, with a prevalence of percussive sonorities, based on the authorial arrangements of Alexandre Elias' score. Starting from the evolutionist cosmogony of the four elements (water, fire, air, and earth) integrated into an epic intentionalism of the choreographic, scenic, and musical representation of what the beginning of man and the universe would have been like in the indigenous gaze. Where the decipherment of the mystery of its primitive sacredness is mixed with the biblical Genesis, through the conceptual script of the director and choreographer Deborah Colker, in her double dramaturgical partnership with the Jewish/Brazilianist writer Nilton Bonder. Bringing to the scene figures from the Old Testament accounts such as an Eve distant from Eden, here personalized in a Black/African ancestry, next to an Abraham uncommitted to his fabulous mission, in addition to vocal interventions in off by Takumã Kuikuro explaining mystical beliefs in his Indigenous language. In a surprising parade of characters from the animal and herbivorous world, ranging from bacteria to quadrupeds and snakes, in a typicity of clothing (Cláudia Kopke) all under a provocative imaginary ambience from the artisanal art direction of Gringo Cardia. Completed in the original surroundings of the scenographic use of bamboo/stakes as mobiles, capable of a magical suggestion, metamorphosed into tabas, boats, nets, and spears. And that extends to a spatial plasticity in the scenic box connecting earth and sky, amplified in Beto Bruel's luminary effects. To express, through an energized and immersive performative and gestural proposition for a finely tuned cast of 15 dancers, the legacy of the legendary traditions of the native peoples, making Sagração a tribute to the passage of the thirtieth anniversary of the Deborah Colker Dance Company. Between a sense of metaphorical savagery of the dancers' pulsating corporeality and the ceremonial/ritualistic mystification of the dance scene under the rhythm of indigenist ancestry, signaled with the watchful eye of Deborah Colker. Always anchored in the advances of the current choreographic universe, in an unprecedented and brave inventive search of one of the most celebrated Brazilian contemporary dance companies. Wagner Corrêa de Araújo Sagração/Companhia de Dança Deborah Colker is on display at Theatro Municipal/RJ, from Thursday to Monday, in evening and evening sessions, until March 25.
O CORSÁRIO: EM ARTESANAL PERFORMANCE SOB EXOTISMO CÊNICO ORIENTALISTA, O BALÉ DO MUNICIPAL FECHA A TEMPORADA 2023
Photos: Daniel Ebendinger
O Corsário/Balé do Theatro Municipal. Dezembro/2023. Fotos/Daniel Ebendinger.
O empenho técnico e artístico para fechar qualitativamente a Temporada 2023, com uma luminosa versão de O Corsário, mostra como o Balé do Theatro Municipal está no caminho certo para recuperar seu prestigioso lugar como a mais tradicional companhia clássica do País. Depois de tantos descaminhos e crises nos últimos anos, já lá vão aparecendo os primeiros e sintomáticos bons frutos, como a surpreendente revelação destes novos talentos, resultado de uma criteriosa seleção temporária para preencher os defasados quadros do seu Corpo de Baile. E da auspiciosa notícia de que aconteça finalmente, em 2024, o tão ansiado concurso em moldes oficiais, não só para assegurar a permanência dos que serão escolhidos entre os melhores, como de incentivar, ainda, outras descobertas, desta vez em caráter definitivo. Devendo se estender o aplauso entusiástico do público ao ideário de seus realizadores - o diretor do BTM Hélio Bejani, também responsável, ao lado de Jorge Texeira, pela bela remontagem e adaptação a partir do original de Marius Petipa, inspirado apenas subliminarmente na temática da narrativa ficcional de Lord Byron, datada de 1814. Além da convicta atuação da OSTM sob o comando do maestro Jesus Figueiredo que soube como dar conta de uma partitura fragmentária, com prevalência de energizados acordes ligeiros de vários compositores (Adolphe Adam, Cesare Pugni, Leo Delibes e Riccardo Drigo). Onde a plasticidade da arquitetura cenográfica (Manoel dos Santos) ficou rigorosamente presa à tradição acadêmica, em suas referências pictóricas de uma ambiência orientalista. E na superposição do recurso de telões que mostram desde o típico interior de um palácio otomano às cenas externas ora num mercado, ora entre rochas à beira mar no acampamento pirata. Incluído aí um elegante figurino (Tania Agra), rico no detalhamento identitário da tipicidade exótica do Extremo Oriente, portentoso no brilho de bordados e entalhes nos corpetes e tutus, reluzente nas vestes das escravas do harém de um paxá, às túnicas e turbantes equalizados nas cenas grupais masculinas. Tudo isto ressaltado pela predominância da funcionalidade de vazados efeitos luminares (Paulo Ornellas). Embora se apoie numa trama rocambolesca de exploração sexual, no entremeio de disputas violentas pela venda e pela posse das escravas entre mercadores, paxás e piratas, flores envenenadas e delírios pelo ópio, uma ancestral temática já não muito apropriada ao empoderamento feminista de hoje. Paralela a uma romantizada paixão provocada por Medora, uma das escravas traficadas, pelo pirata e corsário Conrad. Tudo intermediado por agitadas danças de caráter principalmente masculinas, ao lado de gestos teatrais miméticos ou solos e pas-de-deux mais líricos, na unicidade da entrega mostrada pelos solistas junto ao perceptível empenho do Corpo de Baile. Dando chance aos diferentes elencos de protagonistas, a começar do casal enamorado Conrad e Medora, aos serviçais como Ali ou a odaliscas submissas como Gulnara. Do bonito alongamento, arabescos e pulsantes elevações de Filipe Moreira na première de O Corsário à impactante performance do escravo Ali (José Ailton), com seus vigorosos giros duplos que potencializam a sua altivez corporal e uma bravura técnica extasiante no celebrado Pas-de-Deux a Trois. Sem deixar de destacar a envolvente tessitura estética gestual das bailarinas Marcella Borges (Medora) e Manuela Roçado (Gulnara) imprimida com ênfase estelar absoluta, havendo de se notar, com certeza, que ambas terão pela frente uma potencial trajetória. Vi também Manuela Roçado como Medora, em outra récita, mas aí torna-se difícil usar palavras isoladas para definir sua insuperável força carismática neste papel, sem conecta-la à integralidade desta outra representação, dimensionando-a devidamente como parte de um todo. Para quem assistiu à noite de estreia foi um momento muito especial reunindo o apuro concepcional cenográfico ao apelo virtuosístico de seus intérpretes, em espetáculo imperdível cujas récitas se estenderão até a antevéspera das festas natalinas e, quem sabe, podendo mesmo ser sugestionado como um diferencial regalo afetivo àqueles que amam a dança clássica... Wagner Corrêa de Araújo O Corsário/Balé do TMRJ, está em cartaz no Theatro Municipal, até o dia 23/12, at 7 p.m.; COM Sessões Especiais on 17/12, at 5 p.m., E 19/12, at 2 p.m.
THE CORSAIR : IN AN ARTISANAL PERFORMANCE UNDER ORIENTALIST SCENIC EXOTICISM, THE MUNICIPAL BALLET CLOSES THE 2023 SEASON
The Corsair/Ballet of the Municipal Theater. December/2023. Photos/Daniel Ebendinger
The technical and artistic effort to qualitatively close the 2023 Season, with a luminous version of The Corsair, shows how the Municipal Theater Ballet is on the right track to regain its prestigious place as the most traditional classical company in the country. After so many missteps and crises in recent years, the first and symptomatic good fruits are already appearing, such as the surprising revelation of these new talents, the result of a careful temporary selection to fill the outdated cadres of its Corps de Ballet. And the auspicious news that the long-awaited official contest will finally take place in 2024, not only to ensure the permanence of those who will be chosen among the best, but also to encourage other discoveries, this time definitively. The enthusiastic applause of the public should be extended to the ideas of its directors - the director of BTM Hélio Bejani, also responsible, alongside Jorge Texeira, for the beautiful re-staging and adaptation from the original by Marius Petipa, inspired only subliminally by the theme of Lord Byron's fictional narrative, dated 1814. In addition to the convinced performance of OSTM under the command of maestro Jésus Figueiredo, who knew how to handle a fragmentary score, with a prevalence of energized light chords by several composers (Adolphe Adam, Cesare Pugni, Leo Delibes and Riccardo Drigo). Where the plasticity of scenographic architecture (Manoel dos Santos) was rigorously tied to the academic tradition, in its pictorial references of an orientalist ambience. And in the superimposition of the resource of screens that show from the typical interior of an Ottoman palace to the exterior scenes, sometimes in a market, sometimes between rocks by the sea in the pirate camp. Included in this is an elegant costume (Tania Agra), rich in the identity detail of the exotic typicity of the Far East, portentous in the brilliance of embroidery and carvings on the bodices and tutus, gleaming in the robes of the slaves of a pasha's harem, to the tunics and turbans equalized in the male group scenes. All of this is highlighted by the predominance of the functionality of luminary effects (Paulo Ornellas). Although it is based on a ridiculous plot of sexual exploitation, in the midst of violent disputes over the sale and possession of slaves between merchants, pashas and pirates, poisoned flowers and opium delusions, an ancestral theme no longer very appropriate to today's feminist empowerment. Parallel to a romanticized passion provoked by Medora, one of the trafficked slaves, by the pirate and privateer Conrad. All intermediated by agitated dances of a mainly male character, alongside mimetic theatrical gestures or more lyrical solos and pas-de-deux, in the uniqueness of the delivery shown by the soloists together with the perceptible commitment of the Corps de Ballet. Giving a chance to the different casts of protagonists, starting with the enamored couple Conrad and Medora, the servants like Ali or submissive odalisques like Gulnara. From the beautiful elongation, arabesques and pulsating elevations of Filipe Moreira at the premiere of The Corsair to the impactful performance of the slave Ali (José Ailton), with his vigorous double turns that enhance his bodily haughtiness and an ecstatic technical bravery in the celebrated Pas-de-Deux a Trois. Not forgetting to highlight the engaging gestural aesthetic weaving of the dancers Marcella Borges (Medora) and Manuela Roçado (Gulnara) imprinted with absolute stellar emphasis, and it should be noted, for sure, that both will have a potential trajectory ahead of them. I also saw Manuela Roçado as Medora, in another performance, but here it becomes difficult to use isolated words to define her unsurpassed charismatic strength in this role, without connecting it to the integrality of this other representation, properly dimensioning it as part of a whole. For those who attended the opening night, it was a very special moment, bringing together the scenographic conceptual refinement with the virtuosic appeal of its interpreters, in an unmissable show whose performances will extend until the eve of the Christmas festivities and, who knows, it may even be suggested as an affective gift differential to those who love classical dance... Wagner Corrêa de Araújo The Corsair/Ballet of TMRJ, is on display at the Municipal Theater, until 12/23, at 7 pm; with special sessions on 12/17, at 5 pm, and 12/19, at 2 pm.
TRILOGIA / RICARDO AMARANTE : O BRILHO DE UM COREÓGRAFO BRASILEIRO NA COMPAÑIA COLOMBIANA DE BALLET
Photos: Juan Arias
O Ballet del Teatro Colón, criado em 1925, foi a primeira cia clássica oficial da América Latina, seguido do Balé do Theatro Municipal/RJ em 1936, numa bela iniciativa de Maria Olenewa. Uma tradição coreográfica que se estendeu também ao Ballet de Santiago e que, durante dezesseis anos, foi dirigido pela brasileira Marcia Haydée. Estas três companhias estatais são as únicas que mantiveram viva em seus repertórios, no hemisfério sul americano, a prevalência do balé clássico. Onde o protagonismo estético que as igualava num mesmo patamar hoje é, sem dúvida alguma, do Ballet Estable del Teatro Colón, com sua temporada plena de grandes produções clássicas, dando também espaço ao contemporâneo. E, agora, chega aos palcos brasileiros pela primeira vez e numa rápida turnê, a Compañia Colombiana de Ballet, criada no início deste milênio, sendo a única daquele país que estabelece sua linhagem artística a partir da base clássica. Sendo dirigida, no momento, pela reconhecida competência do coreógrafo Jose Manuel Ghiso, ex solista do Balé de Santiago quando comandado por Márcia Haydée. Num programa todo composto por obras de mais um destes brasileiros que já há algum tempo vem se destacando, além fronteiras, com suas criações coreográficas. Estamos falando da trajetória do paulista Ricardo Amarante, do início como bailarino em sua passagem por cias européias, desde o time de primeiros solistas do Royal Ballet of Flanders, onde estreou sua primeira coreografia autoral (A Fuego Lento), à apresentação de seus balés em teatros pelo mundo afora. Em data recente tivemos inclusive a chance de ver duas obras de Ricardo Amarante numa première com o Balé do Teatro Municipal/RJ, na sua versão do Bolero de Ravel e também com Love Fear Loss. A última delas, agora, fazendo parte deste repertorio da Compañia Colombiana de Ballet Estruturada no formato de três pas-de-deux, Love Fear Loss tem como substrato inspirador a temática lírica e trágica de quatro canções que celebrizaram Edith Piaf. Em releituras pianísticas, de La Vie em Rose, em representação apenas sonora, ao despertar da paixão amorosa (Hymne a l’Amour) sequenciado pelos conflitos da separação (Ne Me Quitte Pas) à dor causada por uma terminalidade fatalista (Mon Dieu). No entremeio dos acordes em compasso de prevalentes adágios, sucedendo-se os três bailarinos em arabescos, giros, entrelaces e elevações numa luminosa performance com absoluta entrega amorosa dos tres casais. Sucedendo-se, em Longing, a segunda peça da noite, uma sensorial linguagem gestual capaz de expressar as diferentes fases do surgimento das paixões. Do despertar do encantamento em corpos que se encontram à beira da eclosão dos desejos sensuais quando se tocam, o que vai se revelando na intensidade de uma hibrida corporeidade entre o lirismo e a sexualidade de uma corporeidade se desnudando. Em expressiva criação de Ricardo Amarante para onze bailarinos, desta vez sob os dúplices acordes musicais de Pablo Ziegler e Astor Piazolla. Para tudo se direcionar, em Fuego Lento, a uma apaixonante dramaturgia da fisicalidade na espontânea incorporação da corporeidade dançante do tango de raiz (Carlos Gardel) ao livre compasso das composições de Lalo Schifrin, Piazzola e Sayo Kosugi, numa luminosa coreografia de estética neoclássica. Convergindo para uma performance reveladora no seu compartilhamento emotivo palco/plateia enquanto traz, através das surpreendentes criações de Ricardo Amarante para um afinado elenco de bailarinos, a qualitativa marca estética da Compañia Colombiana de Ballet no universo coreográfico da América Latina. Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
TRILOGY / RICARDO AMARANTE: THE BRILLIANCE OF A BRAZILIAN CHOREOGRAPHER AT COMPAÑIA COLOMBIANA DE BALLET
The Ballet del Teatro Colón, created in 1925, was the first official classical company in Latin America, followed by the Ballet of the Municipal Theater in Rio de Janeiro in 1936, in a beautiful initiative by Maria Olenewa. A choreographic tradition that also extended to the Ballet de Santiago and which, for sixteen years, was directed by the Brazilian Marcia Haydée. These three state-owned companies are the only ones that have kept alive in their repertoires, in the South American hemisphere, the prevalence of classical ballet. Where the aesthetic protagonism that equaled them on the same level today is, without a doubt, the Ballet Estable del Teatro Colón, with its season full of great classical productions, also giving space to the contemporary. And now, the Compañia Colombiana de Ballet, created at the beginning of this millennium, is the only one in that country that establishes its artistic lineage from the classical base. It is currently directed by the recognized competence of choreographer Jose Manuel Ghiso, former soloist of the Santiago Ballet when led by Márcia Haydée. In a program entirely composed of works by another of these Brazilians who for some time has been standing out, across borders, with his choreographic creations. We are talking about the trajectory of Ricardo Amarante, from his beginnings as a dancer in his passage through European companies, from the team of first soloists of the Royal Ballet of Flanders, where he debuted his first authorial choreography (A Fuego Lento), to the presentation of his ballets in theaters around the world. Recently we even had the chance to see two works by Ricardo Amarante at a premiere with the Ballet of the Municipal Theater/RJ, in his version of Ravel's Bolero and also with Love Fear Loss. The last of them, now, is part of this repertoire of the Compañia Colombiana de Ballet. Structured in the format of three pas-de-deux, Love Fear Loss has as its inspiring substrate the lyrical and tragic theme of four songs that made Edith Piaf famous. In pianistic reinterpretations, from La Vie to Rose, in a sound representation only, to the awakening of amorous passion (Hymne a l'Amour) sequenced by the conflicts of separation (Ne Me Quitte Pas) to the pain caused by a fatalistic terminality (Mon Dieu). In the middle of the chords in rhythm of prevalent adages, the three dancers succeed each other in arabesques, turns, interlaces and elevations in a luminous performance with absolute loving surrender of the three couples. Succeeding, in Longing, the second play of the evening, a sensorial sign language capable of expressing the different phases of the emergence of passions. Of the awakening of enchantment in bodies that are on the verge of the outbreak of sensual desires when they touch each other, which is revealed in the intensity of a hybrid corporeity between lyricism and the sexuality of a corporeality stripping itself bare. In an expressive creation by Ricardo Amarante for eleven dancers, this time under the double musical chords of Pablo Ziegler and Astor Piazolla. In Fuego Lento, everything is directed to a passionate dramaturgy of physicality in the spontaneous incorporation of the dancing corporeality of the root tango (Carlos Gardel) to the free rhythm of the compositions of Lalo Schifrin, Piazzola and Sayo Kosugi, in a luminous choreography of neoclassical aesthetics. Converging on a revealing performance in its emotional sharing of stage/audience while bringing, through the surprising creations of Ricardo Amarante to a finely tuned cast of dancers, the qualitative aesthetic mark of the Compañia Colombiana de Ballet in the choreographic universe of Latin America. Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic)
TRIPLE BILL / BALÉ DO TMRJ : NUMA INCURSÃO COREOGRÁFICA DIRECIONADA À ESTÉTICA NEOCLÁSSICA
Triple Bill / Balé do Theatro Municipal/RJ. Outubro/2023. Fotos/Daniel Ebendinger.
Dando seguimento à temporada 2023, o Balé do Teatro Municipal apresenta um programa comparativo, em caráter quase didático, inicializado pela tradição academicista do clássico, através de uma funcional releitura, por Jorge Teixeira, da Noite de Walpurgis , a partir da coreografia original de Leonid Lavrovsky, concebida para o Bolshoi em 1941. Seguida de duas criações de Ricardo Amarante , estas sob uma estética neoclássica com um olhar mais voltado à contemporaneidade, por intermédio das obras Love Fear Loss e do Bolero de Ravel. Num espetáculo titulado de Triple Bill, classificação muito usada nos palcos internacionais para mostrar uma tríplice sequência de obras diferentes. A cena de balé Noite de Walpurgis que integra com certa habitualidade a ópera Fausto de Charles Gounod, com seu substrato narrativo em torno do pecado e da salvação, entre o céu e o inferno, através de um pacto diabólico de seu personagem titular, expõe o contraponto entre o virtuosismo coreográfico e o embate da pureza espiritual diante da tentação corporal. Aqui, numa concepção cenográfica (Carlos Dalarmelino) e indumentária (Tania Agra) conservadora, preservando a figuração primitiva da trama sem quaisquer avanços cênicos/coreográficos, em performance básica na atuação eficaz de solistas e corpo de baile, com um singularizado destaque para o Fausto de Filipe Moreira, a Marguerite de Juliana Valadão e o Pan de Cícero Gomes. Mas é exatamente na passagem para as duas obras seguintes que se pode perceber um maior peso inventivo com novos ares na envolvência palco/plateia, provocados pelas criações do coreógrafo paulista Ricardo Amarante. Resultado de sua bela trajetória, como bailarino e diretor, em várias companhias internacionais, entre estas a Paris Opera Ballet, Jeune Ballet de France e Royal Ballet de Flandres. Em Love Fear Loss, seu balé mais representado e aplaudido pela crítica, a inspiração parte de três pas-de-deux, tendo como substrato a temática lírica e trágica de quatro das canções que celebrizaram Edith Piaf . De um prólogo, apenas sonoro, com La Vie en Rose, ao surgimento da paixão amorosa (Hymne à l”Amour), indo dos conflitos da separação (Ne Me Quitte Pas) à dor causada por uma terminalidade fatal (Mon Dieu). Balero - Video - part 1 Em transcrições pianísticas por Natahliya Chepurenko , nas apuradas interpretações ao vivo por Calebe Faria , numa caixa cênica preenchida somente pelo piano e pelos três casais de bailarinos. Vestidos por figurinos de tecidos leves e aquarelados, idealizados pelo próprio coreógrafo Amarante, responsabilizando-se este também pelos efeitos de luzes ambientalistas e que favorecem o clima intimista e melodioso das antológicas canções do repertório de Piaf. No entremeio dos acordes em compasso de prevalentes adágios, sucedendo-se os seis bailarinos em arabescos, giros, entrelaces e elevações, numa luminosa performance de absoluta entrega amorosa dos três casais, nas sequenciais partes - Love (com Fernanda Martiny /Filipe Moreira), Fear (por Claudia Mota/Edifranc Alves) e Loss (através de Juliana Valadão/Cícero Gomes) . O programa se completando com uma das recentes versões de um dos balés mais populares de todos os tempos - Bolero, de Maurice Ravel, desde o imbatível dimensionamento conceitual e estético que Maurice Bejart imprimiu à composição. Em outra exuberante coreografia de Ricardo Amarante, com sua potencial conexão de energia e sensualidade, ampliada pelo acerto da conduta sinfônica de Felipe Prazeres, sujeita na estreia a um pequeno e instantâneo deslize na sonoridade dos sopros. E que reune, num similar equilíbrio do Balé do TMRJ, bailarinos em processo de ascensão ao lado daqueles de reconhecida maturidade, num louvável empenho conjunto de Hélio Bejani e Jorge Teixeira para resgatar o antigo prestígio da Cia. Além de contar, ainda, com a versatilidade de outro brasileiro de carreira internacional Renê Salazar David, desta vez na concepção cenográfica e indumentária. Neste revelador espetáculo do talento múltiplo de Ricardo Amarante, mais um destes artistas brasileiros do universo da dança que brilham lá fora, a direção artística do Municipal (Eric Herrero) carioca dá um dúplice e vitorioso gol. Não só pela valorização de nossos criadores coreográficos, como pelo necessário estímulo à atualização em moldes contemporâneos, sem abandonar a tipicidade do repertório de uma respeitável cia clássica de Balé, assim como fazem todas as grandes cias estáveis de dança pelo mundo afora... Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança) Balé do TMRJ/Triple Bill está em cartaz no TM, desde o dia 11 até domingo, 15 de outubro, às 17h.
TRIPLE BILL / TMRJ BALLET: IN A CHOREOGRAPHIC INCURSION DIRECTED TO NEOCLASSICAL AESTHETICS
Triple Bill / Ballet of the Municipal Theater/RJ. October/2023. Photos/Daniel Ebendinger.
Continuing the 2023 season, the Municipal Theatre Ballet presents a comparative program, in an almost didactic character, initiated by the academic tradition of the classic, through a functional rereading, by Jorge Teixeira, of Walpurgis Night, based on the original choreography by Leonid Lavrovsky, conceived for the Bolshoi in 1941. Followed by two creations by Ricardo Amarante, these under a neoclassical aesthetic with a more contemporary look, through the works Love Fear Loss and Ravel's Bolero. In a show entitled Triple Bill, a classification widely used on international stages to show a triple sequence of different works. The ballet scene Walpurgis Night, which is part of Charles Gounod's opera Faust, with its narrative substratum around sin and salvation, between heaven and hell, through a diabolical pact of its titular character, exposes the counterpoint between choreographic virtuosity and the clash of spiritual purity in the face of bodily temptation. Here, in a scenographic conception (Carlos Dalarmelino) and conservative clothing (Tania Agra), preserving the primitive figuration of the plot without any scenic/choreographic advances, in basic performance in the effective performance of soloists and corps de ballet, with a singular emphasis on Faust by Filipe Moreira, Marguerite by Juliana Valadão and Pan by Cícero Gomes. But it is precisely in the passage to the next two works that one can perceive a greater inventive weight with new airs in the stage/audience surroundings, provoked by the creations of the São Paulo choreographer Ricardo Amarante. It is the result of his beautiful career, as a dancer and director, in several international companies, including the Paris Opera Ballet, Jeune Ballet de France and Royal Ballet de Flanders. In Love Fear Loss, her most performed and critically applauded ballet, the inspiration comes from three pas-de-deux, having as substrate the lyrical and tragic themes of four of the songs that made Edith Piaf famous. From a prologue, only sonorous, with La Vie en Rose, to the emergence of amorous passion (Hymne à l"Amour), going from the conflicts of separation (Ne Me Quitte Pas) to the pain caused by a fatal terminality (Mon Dieu). In piano transcriptions byNatahliya Chepurenko , in refined live interpretations by Calebe Faria, in a scenic box filled only by the piano and the three couples of dancers. Dressed in costumes of light and watercolor fabrics, idealized by the choreographer Amarante himself, who is also responsible for the effects of environmentalist lights and that favor the intimate and melodious atmosphere of the anthological songs of Piaf's repertoire. Bolero - Video - Part 2 In the middle of the chords in rhythm of prevalent adages, the six dancers succeed each other in arabesques, turns, interlaces and elevations, in a luminous performance of absolute loving surrender of the three couples, in the sequential parts - Love (with Fernanda Martiny / Filipe Moreira), Fear (by Claudia Mota / Edifranc Alves) and Loss (by Juliana Valadão / Cícero Gomes). The program is completed with one of the recent versions of one of the most popular ballets of all time - Bolero, by Maurice Ravel, from the unbeatable conceptual and aesthetic dimensioning that Maurice Bejart imprinted on the composition. In another exuberant choreography by Ricardo Amarante, with its potential connection of energy and sensuality, amplified by the accuracy of Felipe Prazeres' symphonic conduct, subject in the premiere to a small and instantaneous slip in the sonority of the woodwinds. And that brings together, in a similar balance of the TMRJ Ballet, dancers in the process of ascension alongside those of recognized maturity, in a commendable joint effort of Hélio Bejani and Jorge Teixeira to rescue the old prestige of the Company. In this revealing spectacle of the multiple talent of Ricardo Amarante, another one of these Brazilian artists from the dance universe who shine abroad, the artistic direction of the Municipal (Eric Herrero) from Rio de Janeiro gives a double and victorious goal. Not only for the appreciation of our choreographic creators, but also for the necessary stimulus to update in contemporary molds, without abandoning the typicity of the repertoire of a respectable classical ballet company, as do all the great stable dance companies around the world... Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic) TMRJ/Triple Bill Ballet is on display at TM, from October 11 to Sunday, October 15, at 5 pm.
THIAGO SOARES / ÚLTIMO ATO : SEM QUE AS LUZES SE APAGUEM, LONGE DA DESPEDIDA
Último Ato. Thiago Soares/Direção e Coreografia. Outubro/2023. Fotos/Divulgação.
Quem diria que um menino de família simples com limitadas condições financeiras, de uma destas ruas comuns do subúrbio carioca, dos espontâneos improvisos do “break", como num passe de mágica, se tornaria estrela de primeira grandeza do mais celebrado palco londrino da dança clássica. Tendo ainda transitado profissionalmente por outros espaços sacralizados por nomes míticos da dança ou em conceituadas companhias de balé, desde o Theatro Municipal carioca à sua seleção para o Bolshoi ou passando pelo elenco do Kirov. Antes que chegasse a sua grande chance de se tornar, em pouco tempo, um dos primeiros e absolutos bailarinos do Royal Ballet. 'Diamonds' pas de deux (Balanchine: Marianela Nunez & Thiago Soares; The Royal Ballet) video Onde durante quase duas décadas tornar-se-ia um destes vitoriosos bailarinos/atores, com seus personagens dramatúrgicos de protagonismo masculino, em balés como Oneguin, Manon ou Mayerling. Cumprindo, assim, o desafio de enfrentamento do preconceito machista de seus colegas de escola pública com sua reflexão visionária de que estava apenas aprendendo teatro num estúdio de balé. “Sempre tive interesse em conhecer os personagens por seu lado teatral, pelo que trazem de narrativo, por suas características expressivas. E o fato de ter chegado ao Royal me ajudou muito nisto, pois é uma companhia única no mundo que consegue reunir sempre o teatro e a dança’’, foi o que nos disse Thiago Soares em entrevista para a Revista Dança Brasil, em 2015, distante ainda da sua decisão futura aos 38 anos, trocando as glórias londrinas pela busca investigativa de novos caminhos na arte da dança. O que ele vem fazendo com o maior empenho, retomando ocasionalmente suas raízes de dançarino de break conectando-as à sua sólida base acadêmica de tantos anos. Ora coreografando e dirigindo um espetáculo inteiro naquela que foi sua primeira companhia clássica o Balé do Municipal. Ou apresentando-se em obras, com um olhar mais contemporâneo como num pas-de-deux (Paixão) criado por Deborah Colker e dançado pelos dois. Tendo aberto, em tempos recentes, um estúdio de dança no Rio de Janeiro e, a seguir, optando por dirigir o Balé de Monterrey, México, atuando ali, no momento, como coreógrafo residente. Isto tudo para sequenciar uma bela trajetória dançante, de nada menos que três décadas com inúmeras turnês mundiais. Começando, também, a dar vazão a um antigo ideal de integrar a performance coreográfica à representação teatral. Extensiva a algumas incursões cinematográficas, indo desde um curta autoral (Quimera Vermelha) no Festival Cannes 2022, além do ideário de uma longa autobiográfico a ser lançado no próximo ano. Lembrando, ainda, que algumas de suas maiores performances clássicas estão preservadas em registros fílmicos. Nesta sua mais recente criação a que ele denomina, sob uma sutil e subliminar ironia crítica, de Último Ato, originalizada em Lisboa, na continuidade de apresentações em Curitiba, Rio de Janeiro e São Paulo. Numa proposta diferencial na carreira de Thiago Soares, mostrando suas aptidões de bailarino clássico, integralizadas num similar nível qualitativo com as danças urbanas. Em performances ao lado de mais quatro atores/bailarinos (Alyne Mach, Elenilson Grecchi, Helio Cavalcanti e Tairine Barbosa) com um assumido sotaque de teatro coreográfico para, neste dimensionamento estético, sugestionar os bastidores do universo da dança. Alternando a linguagem gestual da corporeidade no entremeio de verbalizações confessionais teatralizadas sobre sua vida de artista. Priorizando o cotidiano do oficio de bailarino, dos camarins ao ensaio no palco, do experimento das indumentárias características aos efeitos luminares e sonoros. No alcance de momentos originais como um pas-de-deux com uma barra ou um inspirado recorte cênico, em dialetação de todo elenco com um globo numa espacial projeção plástica do homem vitruviano de Leonardo da Vinci, sob mágicos acordes impressionistas. No que seria a apoteose final transmutada num vocabulário do movimento sob a linguagem híbrida da técnica clássica com o gestual break, acontecendo num teatro imersivo sob luzes psicodélicas que, na prevalência de uma vigorosa dramaturgia da fisicalidade, sinaliza que está longe de ser este o Último Ato... Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança) Último Ato, de Thiago Soares, foi apresentado em turnê por sete cidades brasileiras, desde maio até os dias 7 e 8 de outubro em São Paulo, no Teatro J. Safra.
THIAGO SOARES / LAST ACT: WITHOUT THE LIGHTS GOING OUT, FAR FROM THE FAREWELL
Last Act. Thiago Soares/Direction and Choreography. October/2023. Photos/Disclosure.
Thiago Soares
Who would have thought that a boy from a simple family with limited financial conditions, from one of those common streets of the Rio suburbs, from the spontaneous improvisations of the "break", as if by magic, would become a star of the first magnitude of the most celebrated London stage of classical dance. He has also worked professionally in other spaces consecrated by mythical names in dance or in renowned ballet companies, from the Municipal Theater of Rio de Janeiro to his selection for the Bolshoi or the cast of the Kirov. Before his big break came to become, in a short time, one of the first and absolute dancers of the Royal Ballet. Marianela Nuñez and Thiago Soares of The Royal Ballet rehearse Winter Dreams – World Ballet Day 2018 - video Where for almost two decades he would become one of these victorious dancers/actors, with his dramaturgical characters of male protagonism, in ballets such as Oneguin, Manon or Mayerling. Thus, fulfilling the challenge of confronting the sexist prejudice of his public-school classmates with his visionary reflection that he was only learning theater in a ballet studio. "I've always been interested in getting to know the characters for their theatrical side, for what they bring to the table, for their expressive characteristics. And the fact that I arrived at the Royal helped me a lot in this, because it is a unique company in the world that always manages to bring together theater and dance", was what Thiago Soares told us in an interview for Dança Brasil Magazine, in 2015, still far from his future decision at the age of 38, exchanging the glories of London for the investigative search for new paths in the art of dance. Which he has been doing with the greatest commitment, occasionally returning to his roots as a break dancer connecting them to his solid academic foundation of so many years. Now choreographing and directing an entire show in what was his first classical company, the Municipal Ballet. Or performing in works, with a more contemporary look as in a pas-de-deux (Passion) created by Deborah Colker and danced by the two. Having recently opened a dance studio in Rio de Janeiro and then choosing to direct the Ballet of Monterrey, Mexico, working there, at the moment, as resident choreographer. All this to sequence a beautiful dance trajectory, of no less than three decades with numerous world tours. It also began to give vent to an old ideal of integrating choreographic performance with theatrical representation. Extended to some cinematographic incursions, ranging from an authorial short film (Red Chimera) at the Cannes Festival 2022, in addition to the ideals of an autobiographical feature to be released next year. Remembering, also, that some of his greatest classical performances are preserved in film records. In his most recent creation, which he calls, under a subtle and subliminal critical irony, Último Ato, originally in Lisbon, in the continuity of presentations in Curitiba, Rio de Janeiro and São Paulo. In a differential proposal in the career of Thiago Soares, showing his aptitudes as a classical dancer, integrated at a similar qualitative level with urban dances. In performances alongside four other actors/dancers (Alyne Mach, Elenilson Grecchi, Helio Cavalcanti and Tairine Barbosa) with an assumed choreographic theater accent to, in this aesthetic dimensioning, suggest the backstage of the dance universe. Alternating the gestural language of corporeality in the midst of theatrical confessional verbalizations about his life as an artist. Prioritizing the daily life of the dancer's craft, from the dressing rooms to the rehearsal on stage, from the experiment of the characteristic costumes to the luminary and sound effects. In the reach of original moments such as a pas-de-deux with a bar or an inspired scenic cutout, in dialect of the entire cast with a globe in a spatial plastic projection of Leonardo da Vinci's Vitruvian man, under magical impressionist chords. In what would be the final apotheosis transmuted into a vocabulary of movement under the hybrid language of classical technique with the gestural break, taking place in an immersive theater under psychedelic lights that, in the prevalence of a vigorous dramaturgy of physicality, signals that this is far from being the Last Act... Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic) Último Ato, by Thiago Soares, was presented on tour in seven Brazilian cities, from May to October 7 and 8 in São Paulo, at the J. Safra Theater.
ThiagoSoares Photo: Andrej-Uspensky
ESTHER WEITZMAN CIA DE DANÇA : NO “BREVE” RITO DE PASSAGEM ENTRE A DANÇA E A VIDA
Breve. Esther Weitzman Companhia de Dança. Agosto/2023. Fotos/Renato Mangolin.
Há exatos cinquenta anos o livro “Dançar a Vida", de Roger Garaudy, estabelecia metafórica conexão entre o pensamento filosófico e o ato de dançar. Era uma tese que antecipava um movimento estético no entorno de novas perspectivas para a criação coreográfica e que se estenderia, inclusive, a Maurice Béjart, o responsável pelo entusiasta prefácio original da obra. E quando assistimos à última das obras de Esther Weitzman que ela, simbólicamente, denomina de Breve, chegando a integrar palavras faladas como prólogo do espetáculo, há uma subliminar percepção de permanência do pensar reflexivo de Garaudy : “A dança é um modo de existir”. Como se, ali, num conceitual poético com um sutil sotaque de melancolia, estivessem ela e os três bailarinos (Paulo Marques, Toni Rodrigues e Federico Paredes), num manifesto artístico confessional, em tempo "breve", se despedindo de tudo em caráter definitivo. Sustentados pela similar maturidade profissional de suas trajetórias, sob a brevidade da arte e da vida, frente ao desafio terminal da condição humana. O que concede à performance uma sensorial e carismática cumplicidade emotiva palco/plateia. Onde Esther Weitzman, em dúplice ofício, atua como bailarina além do ideário coreográfico-direcional, contando também com a valiosa parceria artística de Frederico Paredes. Apresentando-se, performaticamente, numa mesma identidade estética de busca investigativa, junto com os artistas/bailarinos Paulo Marques e Toni Rodrigues. Num processo criador que dá sequência a uma linha coreográfica que ela vem desenvolvendo em sua Esther Weitzman Companhia de Dança, desde 1999, para uma dramaturgia corporal que prioriza um gestual cotidiano, longe de quaisquer maneirismos. Na “manifestação exterior dos sentimentos interiores”, com um referencial às teorias de Rudolf Laban, sabendo integrar o movimento numa expressiva linguagem coreográfica antenada em muitos avanços inventivos. Cuja força cênica reside na singularidade das relações temporais estabelecidas pelos bailarinos transitando pelo espaço de uma caixa cênica despojada, sendo preenchida apenas pelo presencial físico desta corporeidade dançante, em imersiva conexão gestual. E no caso de Breve, eles dialogam na intensidade de espontâneos trios e duos, ou se apresentam em delicados solos. Que sugestionam a envolvência do olhar/espectador na personificação simples de uma psicofisicalidade, plena de tocante apelo sensitivo. Com pés nus pisando o chão, paramentados numa funcional indumentária (Manuela Weitzman) dia-a-dia e um desenho de luzes vazadas (José Geraldo Furtado), ora se apresentando em posturas energizadas nos seus caminhares, ora em rodas de ciranda a três. Ou, então, nas relaxantes marcações respiratórias, intermediadas por pausas de silêncio. Impulsionados por uma trilha sonora (Esther Weitzman/Paulo Marques) à base de acordes variados que vão de frases baléticas de Tchaikovsky a solos instrumentais, indo de sonoridades pop/jazzísticas a citações que remetem ao teatro musical. Caracterizando o legado artístico, de percursos individuais ou coletivos, para cada um destes reconhecidos nomes no universo da dança contemporânea, em moldes brasileiros, Breve faz um belo tributo ao convicto empenho de um existir dedicado, em sua integralidade, à arte coreográfica. Esta singular celebração promove, assim, um reencontro da dança com a vida. E porque, afinal, não conecta-la também à lembrança reflexiva de Roger Garaudy no oportuno meio século de seu emblemático livro : “O que aconteceria se, em em vez de apenas construir nossa vida, nós nos entregássemos à loucura ou à sabedoria de dança-la”... Wagner Corrêa de Araújo ( Crítico de Dança) Breve está em cartaz no Sesc Copacabana/Mezanino, de quinta a domingo, às 20hs. Até 06 de agosto.
ESTHER WEITZMAN DANCE COMPANY: IN THE "BRIEF" RITE OF PASSAGE BETWEEN DANCE AND LIFE
Concise. Esther Weitzman Dance Company. August/2023. Photos/Renato Mangolin.
Exactly fifty years ago, Roger Garaudy's book "Dancing Life" made a metaphorical connection between philosophical thought and the act of dancing. It was a thesis that anticipated an aesthetic movement around new perspectives for choreographic creation and that would extend even to Maurice Béjart, who was responsible for the enthusiastic original preface of the work. And when we watch the last of Esther Weitzman's works, which she symbolically calls Breve, even integrating spoken words as a prologue to the show, there is a subliminal perception of the permanence of Garaudy's reflective thinking: "Dance is a way of existing." As if, there, in a poetic conceptual with a subtle accent of melancholy, were she and the three dancers (Paulo Marques, Toni Rodrigues and Federico Paredes), in a confessional artistic manifesto, in a "brief" time, saying goodbye to everything in a definitive character. Sustained by the similar professional maturity of their trajectories, under the brevity of art and life, in the face of the terminal challenge of the human condition. Which gives the performance a sensory and charismatic complicity emotive stage/audience. Where Esther Weitzman, in double craft, acts as a dancer beyond the choreographic-directional ideal, also counting on the valuable artistic partnership of Frederico Paredes. Presenting itself, performatically, in the same aesthetic identity of investigative search, together with the artists/dancers Paulo Marques and Toni Rodrigues. In a creative process that follows a choreographic line that she has been developing in her Esther Weitzman Dance Company, since 1999, for a body dramaturgy that prioritizes an everyday gesture, far from any mannerisms. In the "outer manifestation of inner feelings", with a reference to the theories of Rudolf Laban, knowing how to integrate the movement in an expressive choreographic language tuned in to many inventive advances. Whose scenic force lies in the singularity of the temporal relations established by the dancers transiting through the space of a stripped-down scenic box, being filled only by the physical presence of this dancing corporeality, in immersive gestural connection. And in Breve's case, they dialogue in the intensity of spontaneous trios and duos or perform in delicate solos. That suggest the involvement of the gaze/spectator in the simple embodiment of a psychophysicality, full of touching sensory appeal. With bare feet treading the ground, dressed in a functional day-to-day clothing (Manuela Weitzman) and a drawing of hollow lights (José Geraldo Furtado), sometimes presenting themselves in energized postures in their walks, sometimes in wheels of ciranda to three. Or, in the relaxing respiratory markings, intermediated by pauses of silence. Driven by a soundtrack (Esther Weitzman/Paulo Marques) based on varied chords ranging from Tchaikovsky's balletic phrases to instrumental solos, ranging from pop/jazz sonorities to quotes that refer to musical theater. Characterizing the artistic legacy, of individual or collective paths, for each of these recognized names in the universe of contemporary dance, in Brazilian molds, Breve makes a beautiful tribute to the convinced commitment of an existence dedicated, in its entirety, to choreographic art. This unique celebration thus promotes a reunion of dance with life. And why, after all, not connect it also to the reflective remembrance of Roger Garaudy in the timely half-century of his emblematic book: "What would happen if, instead of just building our life, we gave ourselves over to madness or the wisdom of dancing it?" Wagner Correa de Araújo (Dance Critic) Breve is on display at Sesc Copacabana / Mezzanine, from Thursday to Sunday, at 20hs. Through Aug. 6.
CARLOTA / FOCUS DANÇA PIAZZOLA :
A TRIBUTE TO THE FEMININE AESTHETIC LEGACY IN ALEX NEORAL'S CONCEPTUAL CHOREOGRAPHIC
Charlotte-Focus Dance Piazzola. Alex Neoral/Choreographic design. July/2023. Photos/Cristina Granato. Anticipating the celebration in 2024 of his three decades of scenic incursions, under a permanent sign of inventive searches for contemporary dance in Brazilian molds, Alex Neoral is back with Focus Cia de Dança. Through another unpublished work of the multifaceted creative craft of this idealizer, director and choreographer, titled very much by the way as Carlota - Focus Dança Piazzola. This time, in addition to the commemorative date, paying tribute to four female names driving his artistic/professional training as a dancer and for his future as a choreographer. Through her stints in the Tápias Group of Giselle Tápias, in the Cia Nós da Dança of Regina Sauer, in the Cia Vacilou Dançou of Carlota Portella and in the Cia Déborah Colker. With another original dimensioning to fulfill, thus, a desire of Alex Neoral to create a choreographic / musical show where the eleven compositions of Astor Piazzola are used, in addition to the purpose of homage and gratitude, under a thematic / gestural substrate capable of inspiring expressive work for nine dancers. Full of energy, sensuality and passion and that refers to the memory of the precursor work in the revelation of the fascination that the new tango began to excercer in the universe of contemporary dance. We are talking about Piazzola Caldera that Paul Taylor, in 1997, directed to his Company, and that the cariocas had the privilege of seeing, exactly eight years ago, on the stage of the City of Arts. Transmuted sequentially in the differential choreographic reinterpretations of this musical/dancing genre by some of the most respected European, Latin and Brazilian names, extending to emblematic film approaches such as Carlos Saura's Tango and, now, also integrating the repertoire of Alex Neoral, one of the basic names of our contemporary dance. From the realization of the dream of a choreographic approach of the fascinating compositional collection of Piazzola, always able to impress the public and the critics with its engaging fusion of neoclassical chords and jazzy rhythms, tradition and modernity, far from the prevalence of the mere folklorist appeal as it was known until then the Argentine tango. Where, in the drive of another of Alex Neoral's surprising creations, his sensitive and at the same time critical deciphering eye of the mysteries of choreographic art, is assumed again with commitment, inventive spirit and good taste for a cast of nine exceptional dancers (Bianca Lopes, Carolina de Sá, Cosme Gregory, Letícia Tavares, Lindemberg Malli, Natanael Nogueira, Paloma Tauffer, Vanessa Fonseca and Wesley Tavares). In a scenic setting (Natália Lana) of singular handmade design, functioning as a ceiling / roof that centralizes the stage / arena and, imagetically, serving as a plastic support to an environment of passions, in the trajectory of these "four porteño seasons". Always highlighted in the diverse and emotive visual appeal provoked by the luminary modulations of Anderson Ratto. With beautiful costumes (Maria Osório) in the transparency of sticky knits, under pictorial hues, and pantaloons of fluttering fabrics, without any concerns of characterizing only the masculine or the feminine, but hybridly identifying dancers and dancers in a single sensorial corporeality. Prioritizing a movement in groups, duos and solos, supported by an expressive psychophysicality that exorbitates the technical quality of the nine dancers, making it difficult to underline individual highlights in the face of the convinced uniqueness of the integral surrender to the performance. Instigating in the visionary look of Alex Neoral that away from that melancholized tango of feet on the ground, in a follow-up to the conceptual of this "nuevo tango" molded to feel and think, makes flow a balletic gesture alongside energized gesture of contemporary accent. In a corporeality that references the tradition of tango in the couples embraced while, driven by the modern sound/guide of a bandoneón, it unveils in syncopatic movements of group circularity, a scale of bodies in connection, lofty or thrown to the ground, as if they were all, armed with magical daggers, choreographic "torear en la plaza". For Astor Piazzola, in the synthesis of a phrase by Jorge Luis Borges was the secret of the emblematic process of creation: "In a drawer of my desk, a dagger dreams its tiger dreams." With Carlota-Focus Dança Piazzola, Alex Neoral and his incredible troupe, finally, transubstantiate in an immersive and potential scenic/choreographic body, this inspiring link that united the genius of those two artists "Hermanos"... Review by: Wagner Corrêa de Araújo Carlota – Focus Dança Piazzola is on display at Espaço Arena/Sesc Copacabana, from Thursday to Sunday, at 8pm. Through July 23.
Review by: Wagner Corrêa de Araújo
CRÍTICA DE WAGNER CORRÊA DE ARAÚJO
NEY MATOGROSSO/HOMEM COM H : A IRREVERENTE TRAJETÓRIA ARTÍSTICA/EXISTENCIAL DE UM ÍCONE DA MPB.
CRÍTICA DE WAGNER CORRÊA DE ARAÚJO NO BLOG DE ÓPERA & BALLET.
Ney Matogrosso - Homem com H / O Musical. Fernanda Chamma/Marilia Toledo/Direção. Junho 2023. Fotos Adriano Dória. "Rompi tratados / Traí os ritos / Quebrei a lança / Lancei no espaço / Um grito / um desabafo"...(Sangue Latino) Ney Matogrosso. Desde 2022, um musical vem seguidamente retornando, em novas temporadas, aos palcos paulistas. E já prepara seu voo artístico para também encantar o publico carioca, onde deverá aportar no decurso ainda deste segundo semestre. Estamos falando de um dos grandes êxitos da última temporada da Paulicéia com indicações a prêmios como o da APCA e vencedor do Destaque Imprensa Digital 2022 – Ney Matogrosso Homem com H/O Musical. Numa dramaturgia a quatro mãos por Emilio Boechat e Marília Toledo, inspirada a partir de três livros biográficos e dimensionada basicamente por sequencial narrativa cronológica, possibilitando um mergulho em tempos controversos de nossa história, no conflituado convívio da liberdade comportamental de toda uma geração pós-Woodstock com a repressão do regime militar. Ancorando-se numa segura direção concepcional (Fernanda Chamma e Marília Toledo) e contando com um grande elenco ao lado de uma dúplice protagonização titular. Repartida entre a ambiência familiar no interior mato-grossense, na personificação do ainda juvenil artista, pelo também jovem ator Murilo Armacollo, às múltiplas etapas da ascensão de Ney como personalidade icônica no cenário musical brasileiro, na alterativa representação vocal e performática de Renan Mattos. Ney Matogrosso-Homem com H / O Musical. Emílio Boechat/Marília Toledo/Dramaturgia. Junho/2023.Fotos/Adriano Doria.
Na despretensiosa mas extremamente funcional arquiteturação cênica (Carmen Guerra) sustentada apenas por platôs de madeira em vários níveis, à maneira de um show, onde transcorrem todos os registros da trama, desde as cenas mais intimistas às exibições especificamente musicais. Facilitando de vez rápidas mudanças frente à plateia, de um clima para outro, incluídos os figurinos (Michelly X) e o visagismo (Edgar Cardoso) extremamente peculiar do personagem. São várias décadas desde os anos provincianos no enfrentamento e no desafio adolescente ao conservadorismo de um pai militar, à pressão social contra a livre identificação sexual de uma geração libertária sob o signo de viagens psicodélicas de paz e amor, às passagens por Brasília onde Ney Matogrosso experimenta o ofício de ator. Para o descortino, no entremeio de suas aventuras paulistas e cariocas, da surpresa inventiva de uma atuação assumidamente diferencial na banda Secos & Molhados, sinalizada sempre por uma postura andrógina, o que transforma Ney Matogrosso em instântaneo fenômeno de mídia. Com suas performances irreverentes, sob aquarelada maquiagem e corporeidade seminua em gestual inusitado, nos palcos e na televisão, num posicionamento de resistência à época ditatorial. Onde vão se sucedendo envolventes caracterizações de figuras como as de Rita Lee (Hellen de Castro), parceiros musicais de shows, empresários, além da referência presencial de incisivos relacionamentos amorosos tais como Cazuza (Vinicius Loyola) e Marco de Maria, vítimas fatais da Aids. Tudo acentuado com o apuro de vazados efeitos luminares (Fran Barros/Tulio Pezzoni) que imprimem à energizada linguagem coreográfica (Fernanda Chamma) um sotaque pleno de requebros e expressões faciais de híbrida sexualidade marcando, assim, o caminho precursor do cantor em shows direcionados a todos os gêneros e gostos e sob o aplauso de quaisquer idades. Priorizando pelo dúplo comando direcional (Fernanda Chamma e Marília Toledo) provocantes e erotizadas formas de representação cênica e musical, amplificadas nos arranjos de artesanal trilha sonora (da lavra de Daniel Rocha). Enquanto a performance de Renan Mattos faz temer, a princípio, a adoção de uma linha mais afetada pelas eventuais fragilidades de um intérprete cover, esta impressão acaba superada com o seu mimetismo especular revelando, afinal, uma fluente e sensorial adequação psicofísica ao papel que atrai a cumplicidade interativa da plateia. E não foi por um mero acaso que o próprio Ney Matogrosso, ao assistir o espetáculo, dirigiu-se ao camarim e abraçou com indisfarçável emoção o personagem e o ator que Renan Mattos faz viver ali com tão intensa convicção... Wagner Corrêa de Araújo
Ney Matogrosso Homem com H – O Musical está em cartaz no Teatro Procópio Ferreira/Rua Augusta/SP, até domingo, 2 de Julho.
Reviews:Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
NEY MATOGROSSO/HOMEM COM H : THE IRREVERENT ARTISTIC/EXISTENTIAL TRAJECTORY OF AN MPB ICON. .
REVIEW OF WAGNER CORRÊA DE ARAÚJO IN THE OPERA BLOG & BALLET.
Ney Matogrosso - Man with H/O Musical. Fernanda Chamma/Marilia Toledo/Direction. June 2023. Photos Adriano Dória. "I broke treaties / I betrayed the rites / I broke the spear / I threw into space / A scream / an outburst"... (Latin Blood) Ney Matogrosso. Since 2022, a musical has been returning, in new seasons, to the stages of São Paulo. And it is already preparing its artistic flight to also delight the carioca public, where it should dock during this second semester. We are talking about one of the great successes of the last season of Paulicéia with nominations for awards such as the APCA and winner of the Highlight Digital Press 2022 – Ney Matogrosso Homem com H/O Musical. In a four-hand dramaturgy by Emilio Boechat and Marília Toledo, inspired by three biographical books and basically dimensioned by sequential chronological narrative, allowing a dive into controversial times of our history, in the conflicted coexistence of the behavioral freedom of an entire post-Woodstock generation with the repression of the military regime. Anchoring itself in a safe conceptional direction (Fernanda Chamma and Marília Toledo) and counting on a large cast alongside a double titular protagonist. Divided between the family ambience in the interior of Mato Grosso, in the personification of the still juvenile artist, by the also young actor Murilo Armacollo, to the multiple stages of Ney's rise as an iconic personality in the Brazilian music scene, in the alterative vocal and performance representation of Renan Mattos. Ney Matogrosso-Man with H/O Musical. Emilio Boechat/Marília Toledo/Dramaturgy. June/2023.Photos/Adriano Doria.
In the unpretentious but extremely functional scenic architecture (Carmen Guerra) supported only by wooden plateaus on several levels, in the manner of a show, where all the records of the plot take place, from the most intimate scenes to the specifically musical exhibitions. Facilitating once and for all quick changes in front of the audience, from one climate to another, including the costumes (Michelly X) and the extremely peculiar visagism (Edgar Cardoso) of the character. It is several decades from the provincial years in the confrontation and adolescent challenge to the conservatism of a military father, to the social pressure against the free sexual identification of a libertarian generation under the sign of psychedelic journeys of peace and love, to the passages through Brasilia where Ney Matogrosso experiences the craft of actor. For Descortino, in the midst of his São Paulo and Rio adventures, the inventive surprise of an admittedly differential performance in the band Secos & Molhados, always signaled by an androgynous posture, which transforms Ney Matogrosso into an instantaneous media phenomenon. With his irreverent performances, under watercolor makeup and half-naked corporeality in unusual gestures, on stage and television, in a position of resistance to the dictatorial era. Where engaging characterizations of figures such as Rita Lee (Hellen de Castro), musical partners of shows, businessmen, in addition to the face-to-face reference of incisive love relationships such as Cazuza (Vinicius Loyola) and Marco de Maria, fatal victims of AIDS. All accentuated with the plight of leaked luminary effects (Fran Barros/Tulio Pezzoni) that imprint on the energized choreographic language (Fernanda Chamma) an accent full of breaks and facial expressions of hybrid sexuality thus marking the precursor path of the singer in shows directed to all genres and tastes and under the applause of any ages. Prioritizing by the double directional command (Fernanda Chamma and Marília Toledo) provocative and eroticized forms of scenic and musical representation, amplified in the arrangements of handmade soundtrack (from the work of Daniel Rocha). While the performance of Renan Mattos makes fear, at first, the adoption of a line more affected by the eventual fragilities of a cover interpreter, this impression ends up overcome with his specular mimicry revealing, after all, a fluent and sensorial psychophysical adaptation to the role that attracts the interactive complicity of the audience. And it was not by mere chance that Ney Matogrosso himself, while watching the show, went to the dressing room and embraced with undisguised emotion the character and the actor that Renan Mattos makes live there with such intense conviction ... Wagner Correa de Araújo
Ney Matogrosso Homem com H – The Musical is on display at Teatro Procópio Ferreira/Rua Augusta/SP, until Sunday, July 2nd.
SÃO PAULO CIA DE DANÇA/SPCD : 15 ANOS SOB SURPREENDENTE PROCESSO DE CRIAÇÃO
I've Changed My Mind de Shahar Binyamini Photo: Charles Lima
Ao completar seus 15 anos de ininterrupto processo de busca investigativa nos mais diversos caminhos da arte coreográfica a São Paulo Companhia de Dança - SPCD comemora a data titulando simbolicamente a sua temporada 2023 como Labirintos em Movimento. Mantendo, assim, seu marco estético de incursões da tradição clássica à modernidade embora prioritariamente privilegie a dança contemporânea, destacando-se aí com um repertório que reune o melhor do acervo internacional àquele idealizado em moldes de brasilidade. Com criações inéditas de coreógrafos brasileiros ao lado de obras representativas do além mar, numa amostragem acurada do que há de mais revelador e instigante na linguagem da dança, com um permanente olhar armado na contemporaneidade. Não faltando nunca à SPCD o seguro comando artístico e educacional de sua diretora Inês Bógea para uma Cia de reconhecida qualidade técnica e com a artesanal performance de seus bailarinos, sempre sob o habitual aplauso do público e o reconhecimento da crítica. O programa 2023 alternou releituras do repertório clássico mantendo as suas estruturas estilísticas básicas tanto no Ato II de Giselle como em Les Sylphides, nas respectivas remontagens de Lars van Cauwenbergh e de Ana Botafogo. Completadas por uma bonita versão por Diego de Paula para uma Suíte de Paquita a partir de Petipa/Minkus. Neste último caso, abrindo a noite que encerra o primeiro ciclo 2023 de espetáculos. E já envolvendo a plateia com o clima romântico que neste balé foge do padrão característico das obras de temática sobrenatural daquele período, focando mais nas energizadas performances técnicas, com muitos giros, pontas, saltos e piruetas que se tornam exponenciais nas variações do Grand Pas final. Em precisos solos de protagonização de Paquita e de Lucien, extensivos ao Pas de Quatre e a um preciso sustento grupal de um Corpo de Baile feminino. Suite de Paquita por Diego de Paula Photo: Charles Limaed Gala Classica / SPCD - Video Ao iniciar-se Ibi-Da Natureza ao Caos há uma imediata percepção, nos bastidores, de um lamentoso grito de protesto enquanto se ouvem ruídos de uma cantoria tribal, ritmada percussivamente por pés no solo do palco. Resultado dos resilientes questionamentos no entorno do caótico status quo assumido pelos humanos em seu descaso pelo sagrado e ancestral legado da natureza. ibi da natureza ao caos de gal martins Photo: marcelo machado Esta obra de Gal Martins, uma artista da periferia, alia o ideário do ativista indígena Ailton Krenak, através de O Amanhã Não Está a Venda, ao devir-animal de Gilles Deleuze em sua proposta filosófico/comportamental de um necessário estado de não ser homem e nem bicho. Impressionando por sua impactante ambiência cenográfica sob metafórica desconstrução de uma paisagem florestal, ampliada nos acordes vocais afro/indigenistas, luzes entre sombras, indumentária e visagismo com sugestionamento ritualístico. Numa fusão com a corporeidade gestual dos bailarinos, ora arrastando-se pelo chão ora erguendo-se, braços estendidos e mãos ao alto, num grito de dor e de revolta, convergindo tudo para um visceral e reflexivo teatro coreográfico. Mas é a terceira parte do espetáculo a responsável pela maior surpresa criativa num dimensionamento múltiplo da obra coreográfica, não só por seus aspectos plásticos e efeitos cinéticos, mas também por seu imersivo mergulho na completa expressividade de uma dramaturgia corporal. I've Changed My Mind de Shahar Binyamini Photo: Charles Lima I’ve Changed My Mind torna emotivamente presencial para os bailarinos e espectadores a exploração inventiva de um vocabulário do movimento com a assinatura singular do coreógrafo israelense Shahar Binyamini. Numa trajetória que vai do Batsheva Dance Company ao movimento Gaga, tornando-se um dos nomes emblemáticos da dança de nosso tempo. Esta obra, criada especialmente para a SPCD, é um experimento arrojado na integralização de um contexto coreográfico pleno de uma força interior e que se irradia na espontaneidade de cada gesto, direcionando-se a um primado do sensorial através de corpos em conexão. Expandindo-se por intermédio de um figurino de malhas coladas, em sutil e subliminar referência que remete à sensualidade original do Fauno de Nijinsky. Com luzes psicodélicas que conduzem a efeitos cinéticos e a uma psicofisicalidade, ressaltando a assexualidade visual de bailarinos onde todos se identificam na plasticidade coletiva de um único corpo que pensa e dança, ao compasso de uma trilha antológica arquitetada na decorrência de temas de Maurice Ravel a Hans Zimmer. I've Changed My Mind de Shahar Binyamini Photo: Charles Lima Sendo capaz, enfim, de contextualizar através destes inspirados Labirintos em Movimento, o enigma poético de Cecília Meireles que se transmuta em cada um de nós: “Tens os teus olhos, o teu pulso, a tua memória. / Construirás os labirintos impermanentes / Que sucessivamente habitarás. / Todos os dias estás refazendo o teu desenho”... Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
Suite de Paquita por Diego de Paula Photo: Charles Limaed
ibi da natureza ao caos de gal martins Photo: marcelo machado
SPCD/ IBI - Da Natureza ao Caos. Gal Martins/Concepção Coreográfica.Junho/2023. Foto/Marcelo Machado A São Paulo Companhia de Dança/SPCD retorna aos palcos paulistas em agosto, com as estréias de Le Chant Du Rossignol, de Marco Goecke, e em outubro, com Petrushka, de Goyo Montero.
SÃO PAULO CIA DE DANÇA/SPCD: 15 YEARS UNDER A SURPRISING CREATION PROCESS
Ibi da Natureza ao Caos de Gal Martins Photo: Jane Coutoled
Upon completing its 15 years of uninterrupted process of investigative search in the most diverse paths of choreographic art, São Paulo Companhia de Dança - SPCD commemorates the date by symbolically titling its 2023 season as Labirintos em Movimento . Thus, maintaining its aesthetic framework of incursions from classical tradition to modernity, while prioritizing contemporary dance, standing out there with a repertoire that brings together the best of the international collection to that idealized in Brazilian molds. With unpublished creations by Brazilian choreographers alongside representative works from overseas, in an accurate sampling of what is most revealing and thought-provoking in the language of dance, with a permanent armed look at contemporaneity. SPCD never lacks the sure artistic and educational command of its director Inês Bógea for a Company of recognized technical quality and with the artisanal performance of its dancers, always under the usual applause of the public and the recognition of the critics. The 2023 program alternated reinterpretations of the classical repertoire, maintaining its basic stylistic structures both in Act II by Giselle and in Les Sylphides , in the respective revivals by Lars van Cauwenbergh and Ana Botafogo. Completed by a beautiful version by Diego de Paula for a Suite by Paquita from Petipa/Minkus. In the latter case, opening the night that closes the first 2023 cycle of shows. And already involving the audience with the romantic atmosphere that in this ballet deviates from the characteristic pattern of supernatural-themed works of that period, focusing more on energized technical performances, with many turns, points, jumps and pirouettes that become exponential in the variations of the final Grand Pas . In precise solos featuring Paquita and Lucien , extended to the Pas de Quatre and the precise group support of a female Corps de Ballet. When Ibi-Da Natureza ao Caos begins, there is an immediate perception, behind the scenes, of a plaintive cry of protest while the noise of tribal singing is heard, percussively rhythmed by feet on the stage floor. Result of the resilient questions surrounding the chaotic status quo assumed by humans in their disregard for the sacred and ancestral legacy of nature. This work by Gal Martins, an artist from the periphery, combines the ideas of the indigenous activist Ailton Krenak, through O Amanhã Não Está a Venda , with the becoming-animal of Gilles Deleuze in his philosophical/behavioral proposal of a necessary state of not being a man and no animal. Impressing for its impactful scenographic ambience under the metaphorical deconstruction of a forest landscape, amplified in the Afro/indigenous vocal chords, lights between shadows, clothing and visagism with ritualistic suggestion. In a fusion with the gestural corporeality of the dancers, now dragging themselves along the ground and now rising, arms outstretched and hands raised, in a cry of pain and revolt, converging everything into a visceral and reflective choreographic theatre. But it is the third part of the show that is responsible for the greatest creative surprise in a multiple dimensioning of the choreographic work, not only for its plastic aspects and kinetic effects, but also for its immersive dive into the complete expressiveness of a corporal dramaturgy. I've Changed My Mind makes emotionally present for dancers and spectators the inventive exploration of a movement vocabulary with the unique signature of Israeli choreographer Shahar Binyamini . In a trajectory that goes from the Batsheva Dance Company to the Gaga movement , becoming one of the emblematic names of dance of our time. This work, created especially for SPCD , is a bold experiment in the integration of a choreographic context full of inner strength that radiates in the spontaneity of each gesture, directing itself towards a primacy of the sensorial through bodies in connection. Expanding through a glued mesh costume, in a subtle and subliminal reference that refers to the original sensuality of Nijinsky's Faun . With psychedelic lights that lead to kinetic effects and a psychophysicality, emphasizing the visual asexuality of dancers where everyone identifies in the collective plasticity of a single body that thinks and dances, to the beat of an anthological track designed as a result of themes from Maurice Ravel to Hans Zimmer. Finally, being able to contextualize, through these inspired Labyrinths in Motion , Cecília Meireles' poetic enigma that transmutes in each of us: “ You have your eyes, your pulse, your memory. / You will build the impermanent labyrinths / That you will successively inhabit. / Every day you are redoing your drawing”... Wagner Correa de Araujo
São Paulo Companhia de Dança/SPCD returns to the stages of São Paulo in August, with the premiere of Le Chant Du Rossignol, by Marco Goecke, and in October, with Petrushka, by Goyo Montero.
CIA DE BALLET DALAL ACHCAR EM NOVA TEMPORADA NO RIO DE JANEIRO
Três belíssimos espetáculos de dança da Cia de Ballet Dalal Achcar serão apresentados no Teatro Riachuelo nos próximos dias: o recente sucesso “Tal Vez”, foi ovacionado em São Paulo, e entra em cartaz nesta sexta, dia 16, onde fica até o domingo, dia 18, e os inéditos “Sem Você” e “Macabéa”, que estreiam na outra semana, a partir do dia 23. As apresentações acontecem no Teatro Riachuelo, no Rio. Montados pela companhia que tem o crivo de excelência de Dalal Achcar, grande dama da dança nacional, Tal Vez é do premiado coreógrafo Alex Neoral; “Sem Você”, é do coreógrafo e maitre de ballet Éric Frédéric; e "Macabéa", inspirado na obra “A hora da estrela”, de Clarice Lispector, é criação da primeira bailarina do Ballet do Theatro Municipal, Márcia Jaqueline, que estreia como coreógrafa do espetáculo. No caso de TAL VEZ, será uma nova oportunidade para o público conferir, neste final de semana, o espetáculo que é lindíssimo, uma explosão de cores, e é uma parceria da grande Grupo de pessoas num palco com luzes vermelhas. Dias 16 e 17 de junho, sexta e sábado, às 20h/ Dia 18 de junho, domingo, às 17h Duração: 70 minutos (sem intervalo) Local: Teatro Riachuelo Rio - Rua do Passeio, 38/40 – Centro - RJ
"TAL VEZ", jogo de palavras que brinca com 'talvez' e 'aquela vez', dá nome à produção com coreografias baseadas em encontros marcados que geram desencontros e mostram como esses momentos da vida podem resultar em novas experiências. Além do conceito, as cenas serão compostas também pelo movimento de desconstrução dos figurinos em camadas ao longo do espetáculo.
A montagem da Cia de Ballet Dalal Achcar e com coreografia de Alex Neoral traz 18 bailarinos que combinam dança contemporânea e técnica clássica. Os figurinos do espetáculo são de João Pimenta (Romeu & Julieta ao som de Marisa Monte) e o cenário de Natalia Lana (A Cor Púrpura), ambos premiadíssimos, o que garante que o público seja completamente envolvido na história. A trilha sonora escolhida especialmente por Alex Neoral reúne canções inspiradas em trilhas de filmes de cineastas como o espanhol Pedro Almodóvar, o italiano Ettore Scola e o americano Woody Allen. Tudo num grande encontro da dama do Ballet nacional com o premiado Alex Neoral. Os ingressos variam de R$ 36 a R$ 60.
TAL VEZ / DALAL ACHCAR E ALEX NEORAL : EM SURPREENDENTE PARCERIA DE DUAS GERAÇÕES DA CRIAÇÃO COREOGRÁFICA BRASILEIRA
Tal Vez / Cia de Ballet Dalal Achcar. Coreografia - Alex Neoral. Abril 2022. Fotos/Márcia Ribeiro. No respirar de novos ares com o fim da reclusão pandêmica um dos primeiros espetáculos a voltar aos palcos foi a Cia de Ballet Dalal Achcar que, através de sua diretora/coreógrafa, teve a boa e bela ideia de confiar na habitual competência criativa de Alex Neoral – o mentor da Focus Cia de Dança – para idealizar uma concepção coreográfica exclusiva para os seus 18 jovens bailarinos. Espetáculo que foi titulado simbolicamente de Tal Vez, numa lúdica aliteração vocabular com dúplice significado, em seu referencial de desafio à solidão humana, perceptivelmente ampliada no isolamento forçado de dois anos pandêmicos e confrontada diante do desejo pela busca dos encontros perdidos e que agora entra de novo em cartaz numa curta mas imperdível temporada. Numa tematização metafórica de um baile acompanhado por melodiosos acordes de antigas canções de sucesso sob um repertório de prevalência nostálgica, provocando lembranças e evocando saudades. Dimensionada através da trajetória expositiva de gêneros cantantes ora românticos, ora melodramáticos, ora dançantes, num apanhado memorial de paixões e desencontros, brigas e reconciliações, em duplo oficio de Alex Neoral como coreógrafo e responsável pelo roteiro musical. Onde a caixa cênica, em original concepção de Natalia Lana, é preenchida por jogos de cortinas em diversos planos, provocando uma plasticidade funcional capaz de sugestionar, sobre o acertado jogo de projeções e luzes aquareladas (Paulo Cesar Medeiros), uma atmosfera de sonhos e delírios quase surreal. E o figurino de João Pimenta, através da coloração das malhas e dos cetins esvoaçantes, numa abrangente extensão desta fantasia. Inicializado em tons soturnos na entrada hierática dos bailarinos, cobertos por capas formais, apresentando sutilmente traços de sua indumentária idealizada para o musical Romeu e Julieta. Em peças de vestuário superpostas e que vão sendo despojadas na climatização de um psicodelismo tropicalista, entremeado ora com tonalidades vibrantes, ora ironicamente melancolizado pelas variações luminares. Tudo convergindo numa sequência de citações cênicas sob recortes cinéticos, de estilizações musicais/teatrais como revistas, teatro cabaré, music hall e musicais de palco ou cinematográficos, de várias épocas e lugares. Numa dramaturgia da fisicalidade sincronizando movimentos rítmicos, antenados na contemporaneidade de uma linguagem com eficaz aproveitamento da base clássica dos bailarinos de Dalal Achcar. Traduzida num vocabulário gestual pulsante em sua corporeidade coreográfica, de energizados quadros coletivos a introspectivos solos e duos, expressando performáticas reações emotivas ou críticas, conectadas no teor simbológico das palavras cantadas. Para, assim, viabilizar este Tal Vez, evidenciado na qualificada convergência de seus elementos técnicos e artísticos, do convicto desempenho de seu corpo dançante ao potencializado destaque de sua concepção cênico/coreográfica, no cuidado artesanal do olhar de Alex Neoral. Ritualizado no compartilhar sensorial palco e plateia, bailarinos e espectadores, como um singular teatro coreográfico, sob um sutil sotaque a la Pina Bausch, com uma luminosa conexão de nostálgica latinidade manifestada com um prevalente espírito de brasilidade... Wagner Corrêa de Araújo
ENGLISH
TAL VEZ / DALAL ACHCAR AND ALEX NEORAL : IN SURPRISING PARTNERSHIP OF TWO GENERATIONS OF BRAZILIAN CHOREOGRAPHIC CREATION
Tal Vez / Cia de Ballet Dalal Achcar. Choreography - Alex Neoral. April 2022. Photos/Márcia Ribeiro. In the breath of new air with the end of the pandemic seclusion one of the first shows to return to the stage was the Cia de Ballet Dalal Achcar which, through its director/choreographer, had the good and beautiful idea of relying on the usual creative competence of Alex Neoral – the mentor of Focus Cia de Dança – to devise an exclusive choreographic conception for its 18 young dancers. A show that was symbolically titled Tal Vez, in a playful alliteration of words with double meaning, in its reference of challenge to human loneliness, perceptibly amplified in the forced isolation of two pandemic years and confronted by the desire for the search for lost encounters and that now goes on display again in a short but unmissable season. In a metaphorical thematization of a dance accompanied by melodious chords of old hit songs under a repertoire of nostalgic prevalence, provoking memories and evoking nostalgia. Dimensioned through the exhibition trajectory of singing genres sometimes romantic, sometimes melodramatic, sometimes danceable, in a memorial collection of passions and disagreements, fights and reconciliations, in double office of Alex Neoral as choreographer and responsible for the musical script. Where the scenic box, in original conception of Natalia Lana, is filled by games of curtains in various planes, provoking a functional plasticity capable of suggesting, on the right game of projections and watercolor lights (Paulo Cesar Medeiros), an atmosphere of dreams and delusions almost surreal. And the costume of João Pimenta, through the coloring of the meshes and the flowing satins, in a comprehensive extension of this fantasy. Initialized in somber tones at the hieratic entrance of the dancers, covered by formal covers, subtly presenting traces of their idealized costume for the musical Romeo and Juliet. In overlapping garments that are being stripped down in the climatization of a tropicalist psychedelic, interspersed sometimes with vibrant tones, sometimes ironically melancholy by the luminary variations. All converging in a sequence of scenic quotations under kinetic cutouts, of musical/theatrical stylizations such as magazines, cabaret theater, music hall and stage or cinematic musicals, from various times and places. In a dramaturgy of physicality synchronizing rhythmic movements, tuned in the contemporaneity of a language with effective use of the classical basis of the dancers of Dalal Achcar. Translated into a pulsating gestural vocabulary in its choreographic corporeality, from energized collective paintings to introspective solos and duos, expressing performative emotional or critical reactions, connected in the symbolic content of the words sung. To thus make this Tal Vez viable, evidenced in the qualified convergence of its technical and artistic elements, from the convinced performance of its dancing body to the potentiated prominence of its scenic/choreographic conception, in the artisanal care of Alex Neoral's gaze. Ritualized in the sensorial sharing of stage and audience, dancers and spectators, as a singular choreographic theater, under a subtle accent a la Pina Bausch, with a luminous connection of nostalgic Latinity manifested with a prevalent spirit of Brazilianness... Wagner Correa de Araújo
Venu -Theatro RIACHUELO do Rio de Janeiro, 16th to 25th of June 2023
Date line: Friday the 16th of June, 2023
The Municipal Theater Ballet
BALLET MACUNAÍMA RETURNS TO THE TM STAGE IN JUNE
Based on the book of the same name by Mário de Andrade, the ballet Macunaíma returns to the stage of the Municipal Theater with the Corpo de Baile and Symphony Orchestra of the house. Directed by AATM and sponsored by Ouro Petrobras, music specially composed by the award-winning Ronaldo Miranda, unprecedented choreography by Carlos Laerte, conception and script by André Cardoso, the show in one act and four scenes has the Amazon jungle, in the region of the Uraricoera river, as its initial scenario. , the birthplace of Macunaíma, where the Tapanhumas Indians live. With image and photography direction by Igor Correa, conducting by Jésus Figueiredo and artistic supervision by Hélio Bejani and Jorge Texeira, the ballet will be presented in a short season, from June 14 to 17, at 7 pm and on June 18, at 5 pm . The president of Fundação Teatro Municipal, Clara Paulino, emphasizes the importance of this show: “Due to the great success of this show last year, we decided to bring back this very important national work, which brings up the discussion on the Brazilian ethnic issue. In addition, the realization of Macunaíma at Theatro Municipal relies on great partnerships and new languages, and we highlight the beautiful work brought by the Graffiti Museum and Coletivo Trouxinhas to the stage of our Theatro”. Macunaíma was conceived by the maestro, professor at UFRJ and coordinator of Projeto Sinos, André Cardoso. The original ballet had its premiere in 2022 and now returns to the stage of the Municipal, in a short season: “ Macunaíma is the most emblematic book of Brazilian modernism. The ballet version was created in 2022 to commemorate the centenary of Modern Art Week. The show's success brings it back to the stage where it premiered, thus reaffirming the relevance of the partnership between Funarte and the Federal University of Rio de Janeiro with Fundação Theatro Municipal. That the partnership can promote new works and new shows, providing the public of Rio de Janeiro with contact with contemporary production” – concludes André Cardoso.
Fotos: Daniel Ebendinger
MACUNAÍMA/BALÉ DO TMRJ : RESGATANDO A IDENTIDADE MÍTICA DE UM HERÓI MODERNISTA Macunaíma. Balé do TMRJ. Coreografia Carlos Laerte, coreografia. Ronaldo Miranda, música. Setembro/2022. Fotos/Conrado Krivochein. Desde os anos 30, o Balé do Theatro Municipal do Rio de Janeiro sempre privilegiou, ao lado do repertório clássico internacional, obras inspiradas em composições brasileiras (inicialmente, de Villa-Lobos e Mignone, a Camargo Guarnieri e Lorenzo Fernandez) coreografadas inclusive por criadores do naipe de Serge Lifar e Léonid Massine. Sendo mais do que louvável a retomada deste ideário em compasso comemorativo nacionalista, tanto do Bicentenário da Independência como dos 100 anos da Semana de Arte Moderna, através da primeira versão completa para o palco coreográfico de obra simbólica deste movimento – Macunaíma. Na trilha de um clássico fenômeno de desconstrução investigativa dos paradigmas estilísticos e convencionalismos temáticos da arte e da literatura Macunaíma, 1928, criação mor de Mario de Andrade pós Semana de 22, alcança sua primeira reinterpretação sob o propósito de uma nova instauração coreográfica da identidade cultural brasileira, em torno deste “herói sem nenhum caráter”. Depois das emblemáticas releituras para o cinema, com Joaquim Pedro de Andrade, 1969; para os palcos teatrais, por Antunes Filho, 1978; na irreverente versão concepcional de Bia Lessa, 2019; e, agora, para o universo da dança contemporânea. Em idealização dúplice do coreógrafo Carlos Laerte a partir da composição inédita de Ronaldo Miranda, plena de brasilidade em seus calorosos acordes sinfônicos (aqui, conduzidos artesanalmente por Jésus Figueiredo à frente da OSTM). Enunciada (por intermédio do roteiro de André Cardoso) no fio condutor do original literário, embora sujeito a um olhar diferencial armado na contemporaneidade, mas sem a nuance mais transgressora de Bia Lessa ou o substrato mais assumidamente ingênuo e primitivista de Antunes Filho. Num dimensionamento estético do encontro das linguagens do cinema e da dança através das inserções de imagens projecionais (Igor Corrêa), em proposta de interatividade pictórica, na fusão presencial dos bailarinos com as imagens cinéticas referenciais à floresta amazônica. Sem deixar de lado uma citação fílmica, em tom de denúncia, sobre os absurdos de uma equivocada política de descaso ao meio ambiente, em flashes de incêndios, com a invasão exploratória das terras indígenas, sequenciada no polêmico assassinato recente de dois de seus grandes defensores (Bruno Araújo e Dom Phillips). Em energizada performance coletiva de quase 50 bailarinos, entremeada por solos e duos (com destaques na atuação feminina de Márcia Jaqueline e das irmãs Claudia e Priscilla Mota), envolvendo o vigoroso protagonismo tríptico de Glayson Mendes, Rodolfo Saraiva e Edifranc Alves. Respectivamente representativo da trajetória em quatro momentos do personagem titular, de sua geração materna em ambiência indígena ao seu inusitado comportamental urbano e o seu libertário destino mítico como habitante do espaço sideral. Numa progressão dramática em contextual cênico de rubricas soturnas, acentuadas por luzes entre sombras (Paulo Ornellas), num formalismo estetizante coesivo com os fotogramas em preto e branco mas indo além da tonalidade ideal. Ao escurecer o visceral paisagismo urbano muralista e a mais clara percepção do uso de traços aquareladas, no visagismo corporal e na indumentária (Wanderley Gomes), a partir do legado dos pintores modernistas de 22. Onde a incisiva exploração gestual (Carlos Laerte) de corpos em conexão revela instintiva amarração rítmica de contrações musculares capazes de remeterem, simultaneamente, ao contraponto de um gestual indigenista à adequação da fisicalidade à herança afro-brasileira e aos movimentos da dança urbana. Fazendo, enfim, desta proposta de buscas investigativas mais ousadas para o Balé do TM, um necessário e questionador instante cultural de um País em crise de identidade, ecoando nas palavras iconicamente visionárias de Mário de Andrade para contextualizar Macunaíma :“Eu copiei o Brasil, ao menos naquela parte em que me interessava satirizar o Brasil por meio dele mesmo”...<<<<<<<<<<<< Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
Date line: Wednesday the 14th of June, 2023
MACUNAÍMA/TMRJ BALLET: RESCUING THE MYTHICAL IDENTITY OF A MODERNIST HERO Macunaíma. TMRJ Ballet. Choreography Carlos Laerte, choreography. Ronaldo Miranda, music. September/2022. Photos/Conrad Krivochein. Since the 30s, the Ballet of the Municipal Theater of Rio de Janeiro has always privileged, alongside the international classical repertoire, works inspired by Brazilian compositions (initially, from Villa-Lobos and Mignone, to Camargo Guarnieri and Lorenzo Fernandez) choreographed even by creators of the suit of Serge Lifar and Léonid Massine. It is more than commendable the resumption of this ideology in nationalist commemorative compass, both of the Bicentennial of Independence and of the 100 years of the Week of Modern Art, through the first complete version for the choreographic stage of symbolic work of this movement – Macunaíma. In the wake of a classic phenomenon of investigative deconstruction of the stylistic paradigms and thematic conventionalisms of art and literature Macunaíma, 1928, Mario de Andrade's main creation after Semana de 22, reaches its first reinterpretation under the purpose of a new choreographic establishment of the Brazilian cultural identity, around this "hero without any character". After the emblematic rereadings for the cinema, with Joaquim Pedro de Andrade, 1969; for the theatrical stages, by Antunes Filho, 1978; in the irreverent conceptional version of Bia Lessa, 2019; and, now, to the universe of contemporary dance. In double idealization of the choreographer Carlos Laerte from the unpublished composition of Ronaldo Miranda, full of Brazilianness in its warm symphonic chords (here, handcrafted by Jésus Figueiredo at the head of OSTM). Enunciated (through the script of André Cardoso) in the guiding thread of the literary original, although subject to a differential look armed in contemporaneity, but without the most transgressive nuance of Bia Lessa or the more admittedly naïve and primitivist substrate of Antunes Filho. In an aesthetic dimensioning of the encounter of the languages of cinema and dance through the insertions of projectional images (Igor Corrêa), in a proposal of pictorial interactivity, in the face-to-face fusion of the dancers with the kinetic images referential to the Amazon forest. Without leaving aside a filmic quote, in a tone of denunciation, about the absurdities of a misguided policy of neglect of the environment, in flashes of fires, with the exploratory invasion of indigenous lands, sequenced in the controversial recent murder of two of its great defenders (Bruno Araújo and Dom Phillips). In an energized collective performance of almost 50 dancers, interspersed with solos and duos (with highlights in the female performance of Márcia Jaqueline and sisters Claudia and Priscilla Mota), involving the vigorous triptych protagonism of Glayson Mendes, Rodolfo Saraiva and Edifranc Alves. Respectively representative of the trajectory in four moments of the titular character, from his maternal generation in indigenous ambience to his unusual urban behavior and his libertarian mythical destiny as an inhabitant of outer space. In a dramatic progression in scenic contextual of somber rubrics, accentuated by lights between shadows (Paulo Ornellas), in an aestheticizing formalism cohesive with the black and white frames but going beyond the ideal tonality. By darkening the visceral muralist urban landscaping and the clearest perception of the use of watercolor features, in body visagism and clothing (Wanderley Gomes), from the legacy of the modernist painters of 22. Where the incisive gestural exploration (Carlos Laerte) of bodies in connection reveals instinctive rhythmic binding of muscular contractions capable of referring, simultaneously, to the counterpoint of an indigenist gesture to the adequacy of physicality to the Afro-Brazilian heritage and to the movements of urban dance. Finally, making this proposal of more daring investigative searches for the TM Ballet a necessary and questioning cultural moment of a country in identity crisis, echoing in the iconically visionary words of Mário de Andrade to contextualize Macunaíma: "I copied Brazil, at least in that part where I was interested in satirizing Brazil through itself"... Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic)